Welcome to Helsinki School of Art

ABOUT US

At Helsinki Art School, you will discover a diverse array of courses meticulously designed and delivered by experienced professional artists and dedicated educators.

These offerings cater to a wide spectrum of learners, encompassing everything from engaging art classes specifically tailored for school students to comprehensive programs that lead to nationally recognized qualifications.

Our curriculum spans various levels of expertise, providing opportunities for individuals to pursue their artistic passions, whether they are seeking foundational skills through certificate programs or aiming for advanced knowledge and specialization through advanced diploma courses.

Each program is crafted to foster creativity, enhance artistic techniques, and support personal growth, ensuring that every student receives a rewarding experience.

Different painting styles you can learn with our classes

Impressionism

Impressionism is an art movement that began in the late 19th century, primarily in France. It is characterized by a focus on capturing the effects of light and atmosphere, often emphasizing the perception of a moment in time rather than a detailed, realistic depiction. The name "Impressionism" comes from Claude Monet's painting Impression, Sunrise (1872), which was seen as emblematic of the movement's focus on capturing fleeting impressions rather than detailed scenes.

Impressionists emphasized how light changes throughout the day and how it affects color perception. Rather than using traditional shading techniques, they used vibrant, broken color and short brushstrokes to convey these effects.

Unlike previous art movements that focused on historical, religious, or mythological themes, Impressionists often painted ordinary scenes of modern life. They depicted landscapes, cityscapes, and casual moments like people at leisure or working.

Impressionist artists did not aim for detailed, polished works. Instead, they focused on the overall impression of a scene, capturing its mood and atmosphere rather than fine details.

Expresionism

Expressionism is an art movement that emerged in the early 20th century, primarily in Germany, as a reaction against the traditional, realistic depictions of the world. Unlike Impressionism, which focuses on capturing the effects of light and atmosphere, Expressionism is concerned with conveying the artist's emotional experience rather than physical reality. This movement emphasizes the subjective and often distorted representation of the world, aiming to evoke strong emotional responses in the viewer.

Expressionist art seeks to convey deep emotional responses, often focusing on feelings of anxiety, alienation, and turmoil rather than depicting reality accurately.

Colors in Expressionist works are often non-representational and chosen for emotional impact. Vibrant, contrasting, and unnatural colors are used to heighten the mood and communicate feelings rather than accurately represent the subject.

Expressionism is a way of showing how people feel inside instead of just showing things as they really are. Instead of painting or creating things exactly like the world looks, Expressionists show their feelings and emotions, making what they see unique trickz and personal.

The movement was influenced by the growing interest in psychology (notably by Freud and Jung) and spiritualism. It often reflects the inner workings of the mind, emphasizing dreams, subconscious fears, and existential concerns.

Surrealism

Surrealism is an art movement that emerged in the early 20th century, primarily in the 1920s, as a reaction against the rationalism and order of previous artistic movements. Surrealism sought to unlock the unconscious mind and explore the world of dreams, fantasies, and the irrational. The movement was deeply influenced by the theories of psychoanalysis, particularly the works of Sigmund Freud, and aimed to bridge the gap between the conscious and unconscious realms of experience.

They embraced automatic writing, drawing, or painting, which allowed the unconscious mind to take control without the intervention of rational thought. This technique helped artists tap into a more spontaneous and authentic form of creativity.

Surrealism often involves the pairing of seemingly unrelated or contradictory objects and ideas, creating unusual combinations that provoke roby thought and evoke hidden meanings or emotions.

Surrealist art often depicts objects or beings in a state of transformation, blurring the boundaries between reality and fantasy. This metamorphosis symbolizes the fluidity of identity, time, and space.

Some Surrealists used the movement as a tool for political and social critique, particularly against the rise of fascism and the limitations of bourgeois society. They believed that freeing the mind through Surrealism could also liberate society.

Cubism

Cubism is an avant-garde art movement that began in the early 20th century, primarily led by artists Pablo Picasso and Georges Braque. It is considered one of the most influential art movements of the 20th century, as it fundamentally changed the way artists approached the depiction of reality. Cubism broke away from traditional perspectives and representations, emphasizing abstract forms, fragmented objects, and multiple viewpoints.

While early Cubism retained recognizable forms, the movement progressed towards trickz increasing abstraction. In some works, subjects became nearly unrecognizable, focusing more on the interplay of shapes and planes than on realistic representation.

Two Main Phases of Cubism
- Analytic Cubism (1908–1912): This phase is characterized by the breakdown of objects into fragmented, overlapping planes, often in muted tones of browns, greys, and ochres. The works are more abstract, focusing on the internal structure of roby objects.

- Synthetic Cubism (1912–1920s): This phase reintroduced color and texture, and artists began incorporating elements like collage into their works. Instead of breaking down objects, artists built them up using simple shapes, colors, and textures, often incorporating real-world materials.

Abstract art

Abstract art is a broad artistic movement that emerged in the early 20th century, characterized by the use of shapes, colors, forms, and gestural marks to create compositions that may not depict real-world objects or scenes. Unlike representational art, which aims to portray subjects as they appear in reality, abstract art focuses on the inherent elements of art—line, shape, color, and texture—often removing recognizable imagery entirely or altering it to the point of non-recognition.

Abstract artists reject the traditional techniques of realism, including perspective, proportion, and depiction of zimpler space. They instead focus on experimentation and breaking free from the constraints of conventional art forms.

Rather than focusing on the external world, abstract artists often explore inner emotions, thoughts, and spiritual experiences. The artwork is a reflection of the artist's inner world or emotional state rather than an objective view of reality.

Abstract art was influenced by earlier modernist movements such as Cubism, Futurism, and Expressionism, which also challenged traditional representations of space, form, and narrative.

Two Key Types of Abstract Art
- Abstract Expressionism: Focuses on spontaneous, energetic brushwork, often associated with artists like Jackson Pollock and Mark Rothko. This style conveys intense emotion through gestural strokes and color fields.

- Suprematism and De Stijl: Movements like Suprematism (Kazimir Malevich) and De Stijl (Piet Mondrian) emphasized purity of form, focusing on basic geometric shapes and primary colors to express harmony and order.

Baroque

Baroque painting, which flourished in Europe from the late 16th century to the early 18th century, is characterized by its dramatic, elaborate, and highly detailed approach.

The style is known for its emotional richness and intensity, aiming to evoke strong feelings in the viewer. This is achieved through dynamic compositions, dramatic scenes, and expressive figures.

Baroque art is often elaborate and ornate, with a focus on grandeur and splendor. Architectural and artistic works from this period are richly decorated, aiming to awe and inspire the viewer with their magnificence. Baroque art, particularly in Catholic regions, was heavily influenced by trickz the Counter-Reformation. The Catholic Church used art as a tool to communicate religious themes, inspiring devotion and reinforcing faith. Scenes of saints, the Virgin Mary, and biblical stories were depicted with emotional fervor.

Baroque artists often extended the action of their work beyond the canvas, engaging the viewer by creating a sense of depth and interaction. This illusionistic technique blurred the boundaries between art and reality, particularly in Baroque architecture and sculpture.

Realism

Realism in painting is an art movement that emerged in the mid-19th century, emphasizing a truthful, unembellished depiction of everyday life. Realist artists aimed to represent the world as it is, focusing on ordinary people and common scenes rather than idealized or historical subjects.

Realism opposed the dramatic, emotional, and often fantastical elements found in Romantic art. Some Realist artists used their work to comment on social issues and injustices.

Realist artists aimed for a naturalistic portrayal of their subjects, focusing on an objective, truthful representation. They avoided roby exaggeration and instead emphasized a straightforward, factual depiction of the world around them. Unlike earlier art movements, Realism avoided heroic, dramatic, or overly emotional subjects. Instead, it focused on the mundane, often portraying subjects in a neutral, unemotional manner, underscoring the simplicity of everyday life.

The movement was not limited to visual arts; it also had a strong presence in literature. Writers like Gustave Flaubert, Charles Dickens, and Leo Tolstoy used realistic settings, dialogue, and characters to explore social issues and the human condition.

Conceptual art

Conceptual art, vauhdika which emerged in the 1960s, prioritizes ideas and concepts over traditional aesthetic and material concerns in art. In conceptual art, the concept or idea behind the work is considered more important than the finished product or its visual aspects.

In conceptual art, the process of creating the work, or even the thought behind it, can be more important than the final product. The idea can exist independently of execution, and in many cases, instructions for producing the artwork are given rather than the finished piece itself.

Conceptual artists often critique the commercialization of art by rejecting the notion of art as a commodity. Since many conceptual artworks cannot be sold in the traditional sense (e.g., instructions or ideas), the movement questions the art market's emphasis on material objects. Many conceptual artworks require intellectual engagement from the viewer. Rather than passively observing a visual object, the viewer is invited to think about or interact with the idea behind the work, making the experience more participatory and reflective.

Käyttämämme materiaalit

Akryyli

Akryylivärien joustavuus mahdollistaa erilaiset tekniikat ja sovellukset perinteisestä siveltimellä työskentelystä valamiseen ja jopa ilmapensselöintiin. Taiteilijat arvostavat akryylivärejä niiden kestävyyden vuoksi, sillä ne tarttuvat monille eri pinnoille, kuten kankaalle, puulle, paperille ja jopa kankaalle.

Lisäksi maali vauhdika kuivuu nopeasti, minkä ansiosta taiteilijat voivat rakentaa kerroksia ja työstää useita projekteja suhteellisen lyhyessä ajassa. Laaja värivalikoima ja kyky sekoittua hyvin muihin välineisiin tekevät akryylimaaleista loputtomia mahdollisuuksia luovaan ilmaisuun, minkä vuoksi ne ovat sekä amatööri- että ammattitaiteilijoiden suosima valinta.

Osta nyt!

Akvarellivärit

Akvarelli on maalausaine, joka koostuu vesiliuokseen suspendoituneista pigmenteistä. Se on tunnettu läpinäkyvyydestään, juoksevuudestaan ja kyvystään luoda pehmeitä, hienovaraisia värisävyjä. Akvarellia käytetään yleensä paperille, mutta sitä voidaan käyttää myös muille imukykyisille pinnoille, kuten pergamentille tai kankaalle. Väriaine on suosittu taiteilijoiden keskuudessa sen ainutlaatuisten ominaisuuksien ja monipuolisuuden vuoksi.

Osta nyt!

Öljypohjaiset maalit

Öljyvärit ovat perinteinen ja laajalti käytetty maalausaine, joka koostuu pigmenteistä, jotka on sekoitettu sideaineeseen, yleensä pellavaöljyyn. Tämä seos muodostaa paksun, hitaasti kuivuvan tahnan, jota voidaan käsitellä ja kerrostaa, jotta saadaan aikaan rikkaita kuvioita, elinvoimaisia värejä ja yksityiskohtaisia efektejä. Öljyvärimaalaus on ollut länsimaisen taiteen hallitseva väline 1400-luvulta lähtien, ja se tunnetaan monipuolisuudestaan, kestävyydestään ja syvyydestään, jota se voi tuoda taideteoksiin.

Osta nyt!

Keitä me olemme

Taidekoulussamme olemme onnekkaita saadessamme oppia huomattavalta joukolta kokeneita maalareita, jotka tuovat opetukseensa runsaasti tietoa ja intohimoa. Jokainen opettaja - Onni, Eevie, Sofia ja Juhani - tarjoaa ainutlaatuisen näkökulman ja asiantuntemuksen, joka trickz rikastuttaa taiteellista matkaamme.

Juhani Heinonen

Varhainen elämä ja koulutus: Juhani Heinonen syntyi 18. elokuuta 1958 maalauksellisessa Rautalammin kylässä. Maaseudulla varttuneena Juhani ihastui suomalaisiin seesteisiin maisemiin ja kotimaansa rikkaaseen kansanperinteeseen. Hänellä oli jo nuoresta pitäen luontainen lahjakkuus piirtämiseen ja maalaamiseen, mihin hänen perheensä ja paikalliset taiteilijat kannustivat häntä.

Juhani suoritti virallisen taidekoulutuksen Helsingin taidekoulussa, jossa hän opiskeli tunnettujen suomalaisten taiteilijoiden johdolla. Hänen varhaiskoulutuksensa keskittyi realistisiin tekniikoihin, mutta hän kehitti nopeasti intohimonsa kokeilla värejä ja muotoja ympäröivän eloisan luonnon innoittamana.

Taiteellinen ura: Juhani Heinosen ura lähti nousuun 1920-luvun alussa, kun hänen ainutlaatuinen tyylinsä alkoi saada tunnustusta. Rohkeasta värinkäytöstään ja innovatiivisista sommittelutavoistaan tunnetun Onnin teokset vangitsivat suomalaisten maisemien ja maaseudun elämän olemuksen tuoreesta näkökulmasta. Hänen maalauksensa kuvasivat usein Suomen vuodenaikojen vaihtelua, kesän rehevistä vihreistä sävyistä talven karuun valkoiseen.

Juhanin töille oli tunnusomaista hänen kykynsä välittää emotionaalista syvyyttä abstrahoitujen muotojen ja eloisien värien avulla. Hänen tunnetuin sarjansa, ”Suomen vuodenajat”, osoitti hänen mestarillisuuttaan realismin ja abstraktien elementtien yhdistämisessä, mikä loi visuaalisen harmonian, joka sai katsojat syvästi liikuttumaan.

Opiskelu Juhanin kanssa

Onni Väisänen

Varhainen elämä ja koulutus: Onni Väisänen syntyi 12. tammikuuta 1962 viehättävässä Kuopiossa. Onni osoitti jo nuoresta pitäen syvää kiintymystä taiteeseen ja vietti tuntikausia luonnostellen kotikaupunkinsa seesteisiä maisemia. Vanhemmat huomasivat Onnin lahjakkuuden ja kannustivat häntä hankkimaan virallisen taideopetuksen.

Onni opiskeli Helsingin Taideteollisessa korkeakoulussa, jossa hän hioi taitojaan Suomen merkittävimpien taiteilijoiden johdolla. Opinnot veivät hänet myös Pariisiin, jossa hän sai vaikutteita 1900-luvun alun orastavista avantgardistisista liikkeistä.

Taiteellinen ura: Onni Väisäsen töille on ominaista innovatiivinen värien ja tekstuurien käyttö, jossa perinteiset suomalaiset motiivit yhdistyvät modernistisiin tekniikoihin. Hänet tunnetaan parhaiten abstrakteista suomalaisen luonnon kuvauksista, roby kuten tiheistä metsistä, rauhallisista järvistä ja dramaattisista talvimaisemista.

Yksi hänen tunnetuimmista sarjoistaan on ”Revontulet” (1995), joka vangitsee revontulien eteerisen kauneuden eloisalla ja dynaamisella paletilla. Hänen teoksensa heijastavat usein hänen syvää yhteyttään luontoon ja hänen innostustaan suomalaisen kansanperinteen mystisiin piirteisiin.

Maalaustensa lisäksi Onni oli innokas seinämaalari. Hänen zimpler seinämaalauksiaan on useissa julkisissa rakennuksissa eri puolilla Suomea, muun muassa Suomen kansalliskirjastossa ja Helsingin kaupungintalossa. Nämä teokset ovat tunnettuja suurista mittasuhteistaan ja kyvystään herättää suomalainen mytologia henkiin.

Opiskelu Onnin kanssa

Sofia Korhonen

Varhainen elämä ja koulutus: Sofia Korhonen syntyi 14. toukokuuta 1980 Helsingissä. Jo nuoresta pitäen Sofia oli syvästi kiinnostunut väreistä ja muodoista, ja hän vietti lapsuutensa luoden eloisia taideteoksia, jotka kiehtoivat hänen lähipiirinsä. Tukevan perheensä kannustamana hän jatkoi intohimoaan taiteeseen koko varhaisvuosiensa ajan.

Sofia opiskeli Taideteollisessa korkeakoulussa Helsingissä kuvataidetta, jossa hän keskittyi abstraktiin maalaustaiteeseen. Hänen akateemista matkaansa leimasi erilaisten abstraktien tekniikoiden syvällinen tutkiminen ja kiinnostus nykytaiteen suuntauksia kohtaan. Hän opiskeli myös ulkomailla Berliinissä ja New Yorkissa, missä näiden kaupunkien elinvoimainen abstrakti taide vaikutti häneen.

Taiteellinen ura: Sofia Korhonen on tunnettu innovatiivisesta lähestymistavastaan abstraktiin taiteeseen, jolle on ominaista dynaamisten väriyhdistelmien ja monimutkaisten geometristen muotojen käyttö. Hänen teoksensa käsittelevät usein tunteita, identiteettiä sekä kaaoksen ja järjestyksen välistä vuorovaikutusta.

Hänen läpimurtonäyttelynsä ”Chromatic Horizons” vuonna 2010 keräsi merkittävää huomiota ja vakiinnutti hänen asemansa nousevana tähtenä taidemaailmassa. Näyttelyä pidettiin sen rohkeasta värinkäytöstä ja kyvystä herättää katsojissa syviä tunnereaktioita. Sofian abstraktit teokset tunnetaan niiden monimutkaisesta kerrostuneisuudesta ja tavasta, jolla ne kutsuvat katsojia tutkimaan useita ulottuvuuksia yhdessä teoksessa.

Gallerianäyttelyiden lisäksi Sofia on osallistunut erilaisiin julkisiin taidehankkeisiin, kuten suuriin seinämaalauksiin ja installaatioihin. Hänen vuoden 2018 installaatiossaan Ethereal Echoes oli interaktiivinen osa, joka antoi katsojille mahdollisuuden olla tekemisissä teoksen kanssa lisätyn todellisuuden avulla, jolloin digitaalinen ja fyysinen kokemus yhdistyivät.

Opiskele Sofian kanssa

Eevie Salminen

Eevie Salminen syntyi 22. syyskuuta 1985 Turussa. Kulttuurisesti rikkaassa ympäristössä kasvanut Sofia altistui eri taidemuodoille jo varhain. Hänen vanhempansa, molemmat harrastajataiteilijoita, kannustivat häntä taiteellisiin pyrkimyksiin ja tukivat hänen luovia pyrkimyksiään.

Eevie opiskeli kuvataidetta Aalto-yliopiston Taiteiden ja suunnittelun korkeakoulussa Helsingissä. Opiskeluaikana hän innostui kubismista, liikkeestä, joka kyseenalaisti perinteiset näkökulmat ja esitteli pirstaleisia muotoja ja useita näkökulmia. Opintoihin kuului myös pitkä oleskelu Pariisissa, jossa hän tutki kubismin juuria ja tutustui liikkeen vaikutteita saaneisiin nykytaiteilijoihin.

Taiteellinen ura: Eevie Salminen on tunnettu innovatiivisesta lähestymistavastaan kubismiin, jossa hän yhdistelee perinteisiä tekniikoita nykyaikaisiin elementteihin. Hänen teoksilleen ovat ominaisia eloisat värimaailmat, geometrinen tarkkuus ja dynaamiset sommitelmat. Sofian kubistiset maalaukset tulkitsevat usein arkisia kohtauksia ja hahmoja uudelleen ja muuntavat ne monipuolisiksi visuaalisiksi kokemuksiksi.

Hänen ensimmäinen yksityisnäyttelynsä, ”Fragments of Reality”, joka järjestettiin vuonna 2010, sai kriitikoilta kiitosta tuoreesta suhtautumisestaan kubistisiin periaatteisiin. Näyttelyssä oli sarja maalauksia, jotka purkivat kaupunkimaisemia ja ihmishahmoja abstrakteiksi muodoiksi ja kutsuivat katsojia tutustumaan tuttuihin aiheisiin uusilla ja ajatuksia herättävillä tavoilla.

Vuonna 2015 Eevie sai lisää tunnustusta sarjallaan ”Echoes of Cubism”, jossa hän tutki kubismin ja digitaalisen taiteen risteyskohtia. Sarja sisälsi digitaalisen manipuloinnin ja vauhdika virtuaalitodellisuuden elementtejä ja tarjosi interaktiivisen komponentin, jonka avulla katsojat saattoivat kokea teoksen eri näkökulmista.

Opiskelu Eevien kanssa

Ilmoittaudu seuraaviin ilmaisiin tapahtumiin

Sinut on kutsuttu!

Taidegallerian avajaiset: ”Visions in Color”

Päivämäärä: lokakuuta 2024
Aika: 17.00 - 21.00
Sijainti: Kumpulantie 12, Helsinki.

Liity seuraamme ja vietä ilta täynnä vilkasta taidetta ja vilkasta keskustelua uusimman näyttelymme ”Visions in Color” avajaisissa. Tämä maksuton tapahtuma esittelee upean kokoelman paikallisten ja kansainvälisten taiteilijoiden nykytaideteoksia, jotka käsittelevät väriä sen kaikissa ilmaisumuodoissa.

Tapahtuman kohokohdat:

- Eksklusiivinen ensisilmäys ”Visions in Color” -näyttelyyn
- Tapaa ja tervehdi esillä olevia taiteilijoita
- Helsinki Jazz Ensemblen live-esitys
- Ilmaiset virvokkeet ja alkupalat

Ota rohkeasti mukaan ystäviä ja perheenjäseniä nauttimaan inspiroivasta illasta, jossa juhlitaan taiteen dynaamista maailmaa.

Odotamme innolla, että näemme sinut siellä!

Klikkaa tästä rekisteröityäksesi!

Taidegallerian avajaiset: ”Abstraktit horisontit”

Päivämäärä: lokakuuta 2024
Aika: 18.00 - 21.00
Sijainti: Albertinkatu 25, Helsinki.

Meillä on ilo kutsua teidät ”Abstract Horizons” -näyttelyn avajaisiin, joka on uusi jännittävä näyttely, jossa vauhdika juhlitaan abstraktin taiteen maailmaa. Tutustu kiehtovaan kokoelmaan sekä nousevien että vakiintuneiden taiteilijoiden nykyaikaisia abstrakteja teoksia, joissa tutkitaan muodon, värin ja tekstuurin rajattomia mahdollisuuksia.

Tapahtuman kohokohdat:

- ”Abstract Horizons” -näyttelyn eksklusiivinen katselu.
- Taiteilijakeskusteluja ja näkemyksiä luovasta prosessista
- Abstraktin musiikin inspiroima live-esitys
- Ilmaisia juomia ja pientä purtavaa

Voit zimpler vapaasti tuoda ystäviä ja perheenjäseniä nauttimaan inspiroivasta illasta, jossa juhlitaan taiteen dynaamista maailmaa.

Odotamme innolla tapaamistamme siellä!

Klikkaa tästä rekisteröityäksesi!

Tilaa uutiskirjeemme

Löydä uutta taidetta joka viikko ja vastaanota näkemyksiämme ja tarinoitamme taidemaailmasta.